제7회 서울영화제
Title '서울넷페스티벌 세네피언 에이스' 베스트 관람평 공개
Data 2006-07-31 File Read 2704
<서울넷페스티벌 2006 세네피언 에이스를 뽑아주세요!>의 베스트 관람평을 공개합니다.



지난 7월 28일까지 진행한 “서울넷페스티벌 2006 세네피언 에이스를 뽑아주세요!” 이벤트에서 1등과 2등을 차지한 세 편의 관람평을 공개합니다. 열정적인 글을 보내주신 관객 평론가분들과 참여해주신 모든 분들께 진심으로 감사 드립니다. 상품 수령에 관해서는 9월 첫 째 주 당첨자 분들께 개별적으로 연락 드리겠습니다. (담당자 : 이아르미 senefian@senef.net)



* 1등(1명) - 제 7회 서울영화제 프리패스 2매 및 기념품 증정

제목 : 나른한 내면, 저릿한 외부 그리고 상상력 – 심범식 감독의 "PGi-13"

수상자 : 최정아 tvwoman@freechal.com



* 2등(2명) - 제 7회 서울영화제 초대권 10매 및 기념품 증정

제목 : 편견 속에서 걸어 나오는 발화 – 오창민 감독의 "추위에 날무대가리가 터진게지"

수상자 : 정상민 sangmin97@empal.com



제목 : 단편영화의 힘 – 김종관 감독의 "낙원"

수상자 : 김주성 satanmom@naver.com



* 3등(4명) - 제 7회 서울영화제 초대권 5매 및 기념품 증정

김나경 muggle1@empal.com

김신범 bum8105@nate.com

이소현 isohyun@lycos.co.kr

김송영 ksy-3701@hanmail.net



** 1등 관람평



나른한 내면, 저릿한 외부 그리고 상상력 – 심범식 감독의 "PGi-13"

최정아 tvwoman@freechal.com



세상은 지루하지요. 공장에서 찍어낸 듯 직사각형의 비슷한 아파트산과 주입식 교육으로 붐비는 재미없는 학교, 인공조형물의 천국인 놀이공원과 똑같은 영화를 몇 개씩 쏟아내는 영화복합관, 레스토랑과 까페, 자동차를 이동할 뿐인 데이트, 출퇴근 시간을 지켜서는 자리를 유지할 수 없는 직장, 시간도 비용도 너무 많이 드는 육아와 부모 부양... 일상은 매번 다른 순간으로 이루어져 있지만 근본은 반복일 뿐이고 우리는 그어진 선 안에서 뻔한 경주해야 합니다.



"PGi-13"은 짧은 애니메이션이지요. 티백을 주입 받는 캐릭터들의 변화를 그린 이 영화는 파스텔톤의 화려한 색감과 역동적인 세부묘사로 영상 그 자체만으로도 훌륭합니다. 중반부까지 이어지는 '논리적' 전개는 단순하지만 재미있고요. 정해진 스토리라인을 따라가다가 마지막 캐릭터가 "PGi-13" 티백을 받고 변모하는 결말 부분에 감독의 생각이 뭉쳐있습니다. “보호자 동반 상상”이라는 뜻의 “PG-13”을 응용한 작품 제목은 아이들에게 “그 이상을 허용하라”는 정치적 메시지를 담고 있지요.



늘 정해진 것을 받고, 정해진 것을 내놔야 하는 뻔한 우리 삶, 제도교육이라는 이름으로 닭장 같은 공간에서 개인의 필요가 아닌 사회의 필요를 공급받고 있는 아이들은 입시라는 유일한 출구에서 '강요된' 답안을 내놓지 않으면 안됩니다. 마지막 캐릭터의 제멋대로 식 변화는 결코 공포스럽게 그려지지 않았지요. 남들과 다른 변화를 겪어내며 지루한 도식에서 탈출합니다. '보호자 동반 상상'은 제도의 욕심일 뿐 개개인의 특성을 살리고 자신의 꿈과 욕망을 만들어나가는 이상적인 답이 못됩니다. "PGi-13"은 그와 같은 오래된 주제를 발랄하고 유쾌한 방식으로 풀어가고 있습니다.



4분 가량의 짧은 단편이지만 시각적으로 대단히 훌륭하고요. 배경으로 깔리는 음악도 장면과 주제에 잘 어울립니다. 러닝타임이 좀 더 길지 못한 게 아쉽지만 충분히 의미 있는 작품이라고 생각되네요. 가족이 모두 볼 수 있는 온화하고 따뜻한 영화이면서 단편의 재치를 살렸고 무겁고 오래된 주제를 밝게 풀어내는 감독의 방식이 탁월하다고 판단되어 세네피언 에이스로 추천합니다.



나른한 내면과 저릿한 외부를 하나의 세계로 이어주는 큰 힘인 상상력을 "PGi-13"에서 발견했습니다. 다른 분들도 관람하셨으면 좋겠네요.

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** 2등 관람평 1



편견 속에서 걸어 나오는 발화 – 오창민 감독의 "추위에 날무대가리가 터진게지"

정상민 sangmin97@empal.com



우진은 하나의 틀에서 벗어났다. 그 틀은 표현으로 가는 문턱이다. 표현은 자신과의 동일성을 포기할 때 자유로워지는 것이다. "추위에 날무대가리가 터진게지"는 우진이 자신의 자아에서 빠져 나와 자기 스스로를 응시하고 있다는데 주목할 필요가 있다. 우진이 자아로부터 빠져 나온 순간, 세계는 완전히 뒤바뀌어져 있었다. 애인이던 현정은 대현의 여자가 되어 있었으며 자신의 유일한 지지자이던 아버지는 유령이 되어 있었다. 그리고 살인사건의 모든 실마리들은 우진의 뒤바뀌어진 세계로부터 출발한다. 우진은 살해된 여자를 야구방망이로 때려 죽인 포르노 업자를 추궁한다. 그리고 결정적인 증거를 포르노업자의 테이프 속에서 발견한다. 그러나 살해된 여자는 현정이었으며, 야구방망이로 여자의 머리를 때린 사람은 우진 자신이다.



호프스태터의 고리를 알고 있는가? 호프스태터는 자아의 인식을 '꼬리에서 자신을 바라보고 있는 눈'으로부터 설명한다. "날무대가리"에서 우진은 사건의 밖으로 빠져 나와 사건을 들여다보고 있는 것이다. 사건의 안에 있는 등장 인물들인 대현과 반장, 동료 형사들은 사건의 밖에 있는 우진의 시선을 이해하지 못한다. 몽환적 설정으로 보이는 "날무대가리"의 모든 영화적 장치들은 자아, 곧 사건의 진실을 투철하게 인식하고자 하는 우진의 움직임들이다.



우진은 그러한 움직임들을 통해 본격적으로 발동이 걸린 것이다. 대현과 주변 환경들(즉 포르노 테이프에 존재하지 않는 살인 증거들과 야구방망이에 살해되지 않았다는 부검결과 등)은 자아의 중심으로부터 우진을 붙잡지만, 우진은 멈춰서지 않는다. 우진은 이제 하나의 틀이었던 자아로부터 벗어나 세계의 뒤틀어짐을 직시한다. 그리고 우진은 드디어 "날무대가리"에서 말하기 시작했다. 기표화된 '어'와 '아'로서가 아닌, 진정한 발화를 시작한 것이다. 우진의 발화는 세계의 뒤틀어짐에 대한 하나의 표현들이다. 그러한 표현은 끊임없이 자아(기표화된 것들)로부터 끌어당겨짐으로 "날무대가리"는 앞으로 달리려 한다. 카메라 시선의 계속적인 운동, 멈춰있으면서도 다시 움직이려는 인물들, 한 곳에 머무르지 않고 끊임없이 퍼져가고 뭉개지는 빛들! 영화 속에서 표현이란 예술이라는 거창한 권위를 빌리지 않고도 성립되는 메시지이자 발화이다. "날무대가리"는 이제 표현에서 훨씬 자유롭다.



우진은 점점 자신도 컨트롤할 수 없는 세계를 맞지만, 거기서 멈출 수는 없다. 아무리 대현과 자신의 여자가 수작을 부리고 있다 해도 그 조차도 우진을 멈춰 세우진 못한다. 우진은 멈춰서야 했겠지만, 그러지는 못했다. 우진은 살인사건의 범인을 밝히듯이 자신의 발화를 완성해야 했기 때문이다. 그리고 우리는 우진의 발화, 곧 "날무대가리"의 발화를 읽어낸다.



"날무대가리"는 뒤틀린 것들을 다시 돌려 놓지 않는다. '당신이 내린 결론은 당신 것일 뿐이다. 그 뿐이다’. 자아를 직시한 시선은 그 스스로를 부정하지 않는다. 우진은 자신의 머리에 총을 겨누지만, 우진은 죽지 않는다. 극명하게 갈린 양방향의 계단 위에서 우진은 다시 일어선다. 머리통이 깨졌던 여자는 일어나 다시 의자에 앉는다. 이제 시작이다. 복제되고 반복되는 TV 모니터 속에서 우진은 걸어 나올 것이며 "날무대가리"의 발화는 예술이라는 말 많고 편견 어린 시선 속에서 걸어 나올 것이다.

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** 2등 관람평 2



단편영화의 힘 – 김종관 감독의 "낙원"

김주성 satanmom@naver.com



몇 년 전, 스티븐 달드리의 "디 아워스"를 보고 며칠을 앓았던 적이 있다. 글쎄, 죽음과 기묘하게 얽혀있는 세 여자의 이야기가 슬프기도 했고, 그런 이야기를 충실히 표현해내는 배우들의 연기가 기막히기도 했지만, 내게 이 영화가 슬프기 그지 없었던 이유는 내러티브가 아니었다. 다시 돌이켜보면, 이야기는 참으로 관념적이고 단선적이었다. 영화는 두 시간 내내 인물들의 행동과 표정에 주목했다. 이 인물이 무엇을 보고, 무엇을 느끼며, 무엇을 생각하는지 카메라는 냉정하리만큼 차갑게 서서 인물들을 관찰했다. 그러한 디테일 속에서 나는 감정을 보았다. 화면 속에서 감정은 느껴지기 전에 슬픔이라는 그 자체로 보여졌다.



김종관의 "낙원" 역시 그랬다. 15분이 채 안 되는 짧은 시간 동안, 영화는 슬픔이라는 감정을 시각화 해낸다. 관객은 어떠한 이야기를 보면서 그 이야기가 슬프다고 느껴져서 슬픈 감정을 갖게 되는 것이 아니라, 화면 위에 시각적으로 형상화되어 나타난 '슬픔'을 보고서 감정을 갖게 된다. 내러티브가 휘발되고, 감정 그 자체에 집중하는 것이다. 때문에 이 영화의 줄거리는 대단히 단순하지만 대단히 모호하다. 우리는 영화 속에 등장하는 남과 여가 어떠한 관계인지, 어떠한 사연을 갖고 있는지 알 수 없다. 여자는 버스를 타고 남자에게 들러, 하룻밤을 보내고 다시 버스를 타고 떠나며 남자는 그런 여자를 아무 말 없이 배웅해줄 뿐이다. 하지만 이렇게 앞 뒤의 상황이나 맥락도 모른 채 생선조각처럼 덩그러니 남겨진 인물과 상황 속에서 우리는 슬픔을 볼 수 있으며, 느낄 수 있다. 시종일관 추적추적 내리는 비, 한적한 시골길을 조심스레 걷는 여자, 그리고 그런 여자를 바라보며 아픈 다리를 이끌고 뚜벅뚜벅 걷는 남자. 녹슨 듯한 몽환적인 색감과 서정적인 음악이 펼쳐지는 화면 속의 공간과 시간은 '슬픔'만이 존재하는 감정의 낙원처럼 보였다.



이 영화는 단편영화만이 시도할 수 있고, 성취할 수 있는 영역을 확실히 보여준다. 사실상 내러티브를 벗겨낸 영화를 장편으로 만든다는 건 쉽지 않다. 이명세의 "형사"가 보여준 내러티브의 부재로 논란을 일으켰던 것을 보면, 아직까지도 대다수에게 영화에서 내러티브는 필수불가결한 것이며, 그것이 더할 나위 없이 익숙하다. 또한 이야기가 없는 영화는 긴 시간을 이끌어갈 힘이 부족한 법이다. 그렇기 때문에 "낙원"은 단편영화의 '정의'를 다시 한번 생각하게 한다. 단편영화만이 할 수 있고, 단편영화만이 해야 하는, 단편영화만이 해내야 하는 점이 무엇인가 다시금 곱씹어보게 한다.

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